Dizem que o cinema é a interseção de grande parte das Artes: Teatro, Música, Literatura e Arquitetura são algumas das mais frequentes que merecem destaque. Desta última, a Arquitetura, podemos retirar os majestosos sets compostos por todo o tipo de edifícios onde são rodados alguns dos mais memoráveis filmes. Este elemento é dos mais importantes para a definição do tipo de espaço onde estamos, seja por questões sociais ou de cultura. Podemos começar pelo início da história do cinema, onde de uma realista fábrica de ar imponente saem operários filmados pelos irmãos Lumiére; sabemos que se trata de um meio pobre, rotineiro, sem qualquer tipo de ostentação. Saltamos agora para o futurismo de Metropolis, de Fritz Lang, onde a sombria ausência humana é substituída pela ocupação artificial cuja cidade acompanha em visual todo esse ambiente; o mesmo se pode dizer de Blade Runner. Mais contemporâneo temos Wes Anderson com o seu espólio de filmes entre a bizarra acidez de um certo humor negro aos visuais infantilizados como se uma obra de teatro encantada se tratasse. Os cenários são fundamentais nesse ponto, The Grand Budapeste Hotel mostra como. Caminhando para outro realizador conhecido do grande público, temos Quentin Tarantino que ao nos apresentar histórias como Kill Bill marcou com o uso dos espaços a ideia de que esta seria passada no Oriente. Manhattan de Woody Allen também mostra a importância da Arquitetura no cinema, apresentando a cidade americana como nunca ninguém a viu, sem precisar explicitar onde estava a ser rodada, mesmo optando por uma narrativa monocromática. Chegando por fim aos filmes de Stanley Kubrick temos The Shining que todo ele é uma ode à Arquitectura, usando o espaço como uma forma de remeter o público à loucura vivida no hotel, cujo efeito é irrefutável. Mais comercial, mas não menos importante, temos Christopher Nolan com os seus filmes, destes podemos ressalvar o uso da estética e Arquitetura em Inception, inesquecível, que faz toda a diferença para o seguimento da narração, construindo assim uma realidade imaginada impressionante.

A transformação do espaço é assim, sem sombra de dúvida, um aspeto vital para todo e qualquer filme, fazendo com que este seja apreciado e relembrado pelo espetador.

A Beleza do Poder Feminino

A beleza e estilo podem também ser sinónimos de poder, que o digam os realizadores que escolheram alguns dos maiores ícones de venustidade de todos os tempos para protagonizar filmes que hoje são vistos como clássicos de culto ou pelo menos dignos de especial importância.

Comecemos por uma das maiores divas de elegância, Audrey Hepburn, a eterna “bonequinha de luxo”, que ainda hoje hipnotiza os olhares de quem vê pela primeira vez “Breakfast at Tiffanys”, de Blake Edwards. Hepburn não era só influente devido ao seu aspeto físico, mas também devido aquilo que representava na altura com as suas personagens: que uma mulher podia ter uma personalidade forte, ser mais do que uma dona de casa, independente do seu marido, sem que deixasse de ser interessante aos olhos masculinos.

Como não poderia deixar de ser mencionada, Marilyn Monroe foi, e continuará a ser, ao longo dos tempos, uma das personalidades femininas mais famosas no mundo do cinema e moda, tal como Audrey, tinha um estilo muito próprio (é possível ver em “Some Like it Hot”, de Billy Wilder), todavia esta destacava-se mais por uma personalidade - ou segundo algumas fontes, uma “personagem social” - mais sensual, uma espécie de “amante” no imaginário masculino da altura, que destruiu tabus e marcou gerações.

Mais contemporânea, temos Diane Keaton em “Manhattan”, de Woody Allen; um verdadeiro símbolo de poder feminina, uma mulher que já não usa vestidos e veste calças com orgulho, não tem medo de uma conversa mais intelectual nem precisa de maquilhagem para ser notada no meio da multidão.

Atualmente, Emma Stone, cuja carreira despoletou em “Easy A” enquanto protagonista e se popularizou com o vencedor do Oscar de Melhor Filme “Birdman”, é uma das atrizes comerciais que menos se apoia na beleza e mais no seu carisma e talento, os quais lhe trouxeram bastante influencia no meio, tendo se juntado recentemente ao leque de musas de Woody Allen em “Magic in the Moonlight” e “Irrational Man”. Temos a mesma em papéis diversos que afastam-se daquele ideal de “girl next door” e abraçam um ícone jovem feminino, que valoriza a personalidade e demonstra que a beleza não é só valorizada se for exterior.

Todd Solondz mostra mais uma vez, depois do memorável “Happiness”, que não tem filtros. O realizador brinda-nos com “Wiener-Dog”, um filme que confronta a audiência com quatro peculiares histórias que têm à primeira vista apenas em comum um cão (na verdade cadela) de raça “salsicha”, bem como trivialidades contemporâneas. Essas que deixam o espetador desconfortável, entre risos nervosos e curiosidade, com twists que nos atingem como relâmpagos, este é um filme cru, que não pede desculpas por não ir ao encontro do final feliz cliché da restante indústria cinematográfica. Solondz apresenta-nos o mundo real – ou pelo menos como ele o vê. O cão salsicha serve de metáfora transversal para demonstrar como o ser humano é incapaz de manter um compromisso contínuo, sendo este passado de dono para dono e mostrando a futilidade humana e desapego emocional quando se afigura momentos mais difíceis. A jornada mostra-nos como o homem tem a necessidade de tentar algo que traga algum significado à sua simples existência: como arranja diversas razões para sofrer enquanto está vivo, ser existencialista, egoísta, não conseguir ser como a Wiener-Dog e apenas “ser”; Sem arrependimentos, medo, vícios, stress, interesses...Com uma boa dose de humor negro, percebemos a ironia do homem, ser que tem a capacidade de decidir o seu destino, ter imensa dificuldade de o fazer, ao passo que a cadela resigna-se ao seu próprio fado, sem resistência, sem dor, porque “tudo tem um início e um fim” - uma das frases marcantes do filme que dá ainda mais poder à cena final.

Solondz criou um filme com diversos layers, rebuscando nos seus anteriores filmes personagens agora em fase adulta, mas desta vez interpretadas por outros atores. É interessante a opção, da necessidade de um desfecho ao encontrar ou fazer algo que as faça sentir detentoras do seu próprio destino, em vez de esperar que as coisas aconteçam por si. As histórias apresentadas, em linhas gerais, remetem em primeiro a um casal (July Delpy e Tracy Letts), com o seu primogénito (a revelação de Keaton Nigel Cooke), claramente pertencente à classe alta, com uma casa moderna, carros topo de gama, sem objetos pessoais que contrastem com a decoração, onde a cadela é o presente - aqui percebemos como o casal é materialista e superficial, tratando o animal não como um ser vivo, mas como uma “coisa” - oferecido à criança depois desta estar em recuperação de uma doença, porém não a deixando brincar com ela, dando explicações ridículas sobre a necessidade do homem controlar o cão, de definir o seu destino, “porque a natureza não se interessa com os animais”. Evidenciamos ainda a falta de capacidade sensitiva do casal, que assim que percebe as dificuldades em lidar com o animal, desiste, e deixa-o no veterinário para ser abatido, isto sem antes o realizador nos confrontar com uma cena sequencial de uns bons minutos de um plano de diarreia, como uma espécie de afronta, mostrando-nos que não podemos fugir ao lado menos bom da vida. A segunda história é encadeada diretamente com a primeira narrativa, pronta a ser abatida a Wiener é resgatada pela assistente veterinária (Greta Gerwig), que foge com ela nos braços, vemos a sua casa que nos dá a entender que a nova dona mal tem capacidade para tomar conta de si, pois vive à espera de algo significativo, até que encontra uma antiga paixão (Kieran Culkin), essa que demonstra também grande desapego emocional – posteriormente explicado. Os novos donos da Wiener aparecem apenas por uns segundos, um casal com trissomia 21, contudo percebemos um salto temporal na história e de repente a personagem interpretada por Danny DeVito é o seu novo dono. Não sabemos a Wiener-Dog foi parar às suas mãos. Saltamos de personagens na casa dos 30 e 40 com uma vida a ser construída para uma personagem na casa dos 60-70 anos que outrora foi um bem-sucedido guionista, numa fase da vida em que se algo não acontecer agora, nunca mais acontecerá: é a sua última oportunidade! De forma inteligente, o realizador deixa-nos respirar de alívio por breves segundos, com uma cena sequencial cómica da cadela salsicha a andar pelo oeste, entre outros lugares absurdos, no estilo de um filme western spaghetti; engana-nos. Após isto, assistimos à perda de paixão pela vida, à desilusão, ao egoísmo e frustração, que culminam na tentativa da personagem de DeVito em sacrificar o único ser que o acompanhava fielmente. Por fim, a sua última dona, uma avó (Ellen Burstyn, conhecida pela sua personagem arrebatadora em “Requiem for a Dream”), que vive apenas acompanhada por uma empregada, é visitada pela sua neta que mais uma vez a foi ver para pedir dinheiro. Nesta cena, somos confrontados com a mortalidade. Percebemos a angustia do ser humano em recear não ter vivido a vida certa, em negar que o seu tempo chegou ao fim, mesmo que esteja miserável, a sobreviver em vez de viver. A forma do realizador mostrar isso é deliciosa e perversa, deixando o público sem respirar, com brutalidade e um olhar niilista sobre a vida, indicando que apenas existem duas coisas certas para todos os seres: o nascer e o morrer.

Nada como uns filmes mais descontraídos para assistir durante o verão. Relaxar, dar umas gargalhadas e ainda assim aproveitar uma boa sessão de cinema. Por norma, as comédias e filmes de ação são a receita mais eficaz: conseguem entreter ao mesmo tempo que - mesmo no mais longínquos dos backgrounds – nos presenteiam com uma mensagem positiva. Os anos 70, 80 e 90 são provavelmente as décadas mais ricas no que diz respeito à produção destas obras. Atualmente, é cada vez mais complicado encontrar uma boa comédia e/ou filme de ação sem que recaiam no lugar comum ou vazio do humor gratuito e cenas de CGI exageradas, sem grande estruturação e moral. Portanto, fica lançado o desafio no qual se baseia a seguinte lista, de blockbusters perfeitos para assistir no verão:

Animal House (1978): É visto como o pai de muitas das comédias contemporâneas, como é exemplo Superbad e There's Something About Mary.

Old School (2003): Dois amigos tentam recuperar os tempos gloriosos de universidade abrindo a sua própria fraternidade, porém percebemos que mais cedo ou mais tarde é importante abraçar o futuro e deixar o passado.

Superbad (2007): Produzido por Judd Apatow, com escrita de Seth Rogen e Evan Goldberg, é provavelmente umas das melhores comédias teen desta década, que não deixa ninguém sério.

Total Recall (1990): O filme retro-futurista, brinda-nos com Arnie no seu melhor e diversas figuras bizarras como uma mulher com três seios.

Jaws (1975): É já mítico, mas não é por isso que não deve ser mencionado, a obra de Spielberg continua a ser uma boa escolha, entre sci-fi e ação, preenche ambos os riquistos.

Ferris Bueller's Day Off (1986): Todos gostávamos de ser a personagem que larga tudo para fazer gazeta por um dia, não é verdade?

Alien (1979): Ação no seu melhor, Scott Ridley mostra-nos que as mulheres também podem ser heroínas sem que para isso precisem de uma capa ou poderes!

Guardians of the Galaxy (2014): Uma das novidades desta década que mostrou que ainda é possível aliar a comédia à ação, com a amizade como plano de fundo, além de que é baseado numa comic da Marvel.

Big (1988): Inesquecível para quem cresceu entre os anos 80 e 90, este filme mostra que existe uma criança dentro de cada adulto.

Do the Right Thing (1989): Spike Lee no seu melhor, com uso do humor para expor um conflito inter-racial.


Texto originalmente redigido por mim para a Revista SPOT.

Les Chansons d'amour (2007), de Christophe Honoré
A história de um romance a três que o destino trata de agitar culminando num desfecho tudo menos previsível.

Atonement (2007), de Joe Wright
Por vezes uma má interpretação da realidade pode impedir um grande amor, tendo consequências graves e definitivas.


Les Amants du Pont-Neuf (1991), de Leos Carax
Um amor cru e irracional, desenvolvido no meio da miséria humana, numa ponte, ao som do nada e de tudo.


UP (2009), de Pete Docter e Bob Peterson'You don't talk much. I like you!' - Mas às vezes não vasta gostar, quando a mortalidade existe. E em apenas 10 minutos, percebemos isso neste filme de animação comovente.


Texto da minha autoria, escrito originalmente para a Revista SPOT.

Batman v Superman: Dawn of Justice é o filme que todos-queremos-não-ser e que provavelmente fez o Joel Schumacher se sentir um bocadinho menos mal com os seus filmes sobre o cavaleiro das trevas. Diga-se que além das incontáveis plot holes, deixas ridículas, interacções entre as personagens ainda piores sem qualquer tipo de cumplicidade, assistimos a cenas introduzidas de forma forçada que remetem a outros super-heróis de modo a "gritar" aos ouvidos do público que o universo DC será estendido a outros super como Flash (que além de viajar no tempo agora também dá uma de Freddie Kruger), Aquaman e o Cyborgue. Aquele momento em que é aberto o ficheiro com os logos dos super é completamente non-sense, porque razão o Lex Luther teria pastas com logos (em alguns casos inexistentes por os super se esconderem sem fato como se assiste nos vídeos) num computador?!...Mais, porque é que tão depressa o Batman está determinado em matar o Superman e só por ouvir o nome da "mãe" (que é o mesmo da mãe dos dois heróis) passa a ser "amigo forever", isto em segundos passa do 8 para o 80, e vai salvar a mãe do Clark que até ao momento o mesmo herói não fazia ideia onde estava mas por outro lado faz sempre ideia onde está a Lois Lane...Contudo, tudo piora. Ou não fosse a personagem de Lex Luther totalmente colada ao Joker do Heath Ledger, é impossível não pensar nele devido ao caos que a personagem provoca, à loucura, mesmo devido à indumentária e cabelo, com um temperamento louco e sem razão aparente, a culpa certamente não é do ator Jesse Eisenberg que fez bem a sua função, mas sim da falta de originalidade e desenvolvimento proposta para a personagem.

O climax no filme não chega a existir em momento nenhum. A cena final que deveria deixar o público perplexo é apenas desanimadora, no sentido em que é demasiado fácil matar o Super-Homem. Tanto que parece brincadeira de criança, uma espécie de ejaculação precoce em filme. Afinal o "Homem de Aço" não é assim tão resistente e mesmo que a "Morte de Superman" seja um ponto clássico das bd's, isso não impede que o confronto fosse mais bombástico e repleto de tensão para exacerbar as emoções do público-fã. E o romance entre a Lois e Clark é enjoativo, não existe química alguma entre os dois atores e/ou personagens. Dá vontade de "desviar o olhar" ou ir depressa à casa de banho para evitar ver aquele momento lamechas, novelesco. Até o vilão, o Doomsday é visualmente pouco credível, uma mistura entre uma tartaruga ninja do Michael Bay (sim, as piores!) e o troll do Senhor dos Anéis (mas sem o pormenor da genitalía pendular), com poucos momentos de verdadeira ação pelo menos de contra-ataque por parte do início daquilo que será a Liga da Justiça. Praticamente a Wonder Woman apenas se defendeu - um aparte, o cast estaria bem para Catwoman devido à sensualidade da atriz, agora para Wonder Woman pareceu-me altamente descolada fisicamente sobretudo (afinal ela é uma amazona e não uma manequim!) daquilo que a personagem é e transmite no mundo dos quadradinhos, embora tenha algumas similaridades com a da série animada "Superman/Batman: Apocalypse" penso que isso não chegará para um filme a solo de sucesso ou pelo menos para ser relembrada mais tarde -, o Superman apenas foi dar a tentativa final de golpe altamente suicida sem nenhuma grande luta à priori que fizesse aquecer o coração do espectador e, pior de tudo, o Batman deu uma de cobarde em várias cenas do filme em que se afasta ou recua mostrando "receio" algo que é pouco característico, senão mesmo nada, desta personagem que é altamente calculista e estratega. E, para último, mas não menos importante, é a pior escolha de cast de sempre para Alfred. Qual foi a ideia? A sério...Parecia que víamos uma espécie de Gordon, em vez do fiel mordomo que criou Bruce.

Zack Snyder conseguiu uma vez mais afundar um filme com os seus exageros. Quer visuais que remontam a um Gotham e Metropolis mais cartonesco, quer narrativas que saltam pontos cruciais da história aos quadradinhos e pega noutros que não têm ligação aparente pelo menos para quem não segue em papel a história. Isto é um erro crasso, que felizmente a Marvel-Disney não cometeu na sua extensão e união de universos que resultou tão bem, que chega a ser próximo de perfeito por ter a capacidade de juntar tantas personagens e mesmo assim conseguir dar tempo de antena a cada uma delas sem obrigar o público a engolir tudo num só gole.

Batman v Superman: Dawn of Justice é aborrecido. Faz-nos bater palmas quando finalmente o Super-Homem morre de tão entediante que é, faz-nos desejar que a Lois seja levada também para debaixo de sete palmos de terra e faz-nos rir pelos momentos ridículos que consegue atingir sem nenhum tipo de genialidade directiva ou performativa.

Representar é um talento que pode ser desenvolvido, mas que advém de um dom inato. Prova disso, são as performances de vários atores em criança, que, ainda hoje, são (re)vistas com admiração e reconhecimento na historia do cinema. Embora alguns tenham acabado por se afastar da ribalta, ora indagando por carreiras noutras áreas ora abusos de substâncias, muitos são aqueles que asseguraram nessas primeiras aparições um lugar ao sol, que permanecerá imortalizado na memória dos seus fãs.

Eis uma lista de alguns dos papéis que merecem especial menção, onde podemos ver caras bem conhecidas numa tenra idade a dar cartas no campo da representação e a fazer inveja a muitos atores adultos...

Os visuais fazem lembrar o retro-futurismo de Kubrick, acompanhados pelo surrealistíco tom de Buñuel e o imaginário de Carax numa orgia metafórica de ascenção social e lutas entre classes, tudo num único lugar, num tempo que já foi mas que nem por isso se torna mais datado.

Tom Hiddleston coloca a sua personagem como o ponto central e seguro de toda a narrativa que se muta até atingir um patamar explosivo e irreconhecível de sexo, violência e absurdez. A personagem de Tom e o seu apartamento são um lugar neutro, cinza como as cores que escolhe para pintar as suas paredes, todavia esconde em caixas a sua própria bagagem pessoal que vai abrindo à medida que ascende de patamar social e se aproxima daquilo que pretende.

Odiado por alguns, amado por muitos, Alfred Hitchcock é/era conhecido pelo seu humor negro peculiar, pelos curtos cameos nos seus próprios filmes e pelo suspense que tão bem sabia proporcionar no coração do público, à sua maneira tão especial, em cada uma das suas obras. Era também o cineasta que tinha um especial fascínio pela morte, pássaros e mulheres louras. Tinha medo de ovos, sem explicação. Era a silhueta inconfundível e a voz provocadora que esteve presente em muitos dos seus criativos anúncios de thrillers. Com uma forma inovadora de editar as suas películas, embora simples tecnicamente, o realizador, de muitas grandes obras entre as quais «Vertigo» e «Psycho», pensava e filmava cada cena de modo a provocar ansiedade, medo e, ou até, empatia junto do espetador. Manipulador, mas de uma forma positiva, o mestre do suspense nunca filmou uma única cena sem meticulosamente pensar na melhor forma de a executar, numa relação de “gato-rato” - entre o público, narrativa/desfecho. Tanto que o mesmo tinha “medo” dos seus próprios filmes, como confessou numa entrevista em 1963: “I’m frightened of my own movies. I never go to see them. I don’t know how people can bear to watch my movies”. O medo ilógico, fobia, injetado habilmente em cada película era o seu grande trunfo: “But what is logic? There’s nothing more stupid than logic.”. A sua audácia e humor negro inteligente eram inconfundíveis e apreciados por muitos, mas também por vezes receado por outros que naquela era tinham alguma dificuldade em aceitar a sua genialidade, vista como neurótico. Walt Disney foi um desses exemplos, recusando-se inclusive a trabalhar com o realizador por essa razão... Hitchcock nunca foi um cineasta sério. Fazia questão de o mostrar; numa cerimónia dos Oscares, fez o mais curto discurso da história do cinema com um «Thank you!» em resposta ao desprezo da academia em o galardoar. Apesar de brilhante, Hitchcock nunca chegou a ganhar um Oscar de Melhor Realizador. Essa foi uma das muitas vezes que a academia não reconheceu convenientemente um dos maiores cineastas da história do cinema (apenas o seu filme «Rebecca» ganhou na categoria de Melhor Filme). Porém, felizmente, temos toda uma extensa obra para apreciar - e comprovar por nós mesmos o seu valor inquestionável enquanto realizador - que a cada repetição de visionamento se torna mais rica, com castings sempre soberbos e histórias de nos fazer bater o pé devido ao nervoso miudinho que tão bem «O Mestre» soube sempre criar dentro de nós...Seja com o simples «The Rope» passado numa única divisão ou o mais amplo «Birds», todos os seus filmes são um pedaço de arte que valem a pena apreciar e guardar!

Escrito originalmente para a Revista SPOT.

Os irmãos Coen têm interessantes obras mais antigas como «Fargo» ou o mais popular «The Big Lebowski», assim como mais recentes o «No Country for Old Men», no entanto ao longo dos anos foi-se ressentindo o cansaço e dificuldade de inovar dos mesmos. A originalidade e estilo inconfundível começa a parecer cada vez mais baço, numa tentativa de continuar com o cunho de autor e ao mesmo tempo cativar a academia. Aquela ousadia própria da dupla parece ter caído, então, por terra com este último filme - «Hail, Caesar!». Oco, bacoco, inócuo - podem escolher o adjetivo...

Passada a cerimónia anual dos Oscares, prémios de cinema que hoje são mais um ritual do que propriamente sinónimo de qualidade das obras nomeadas, surgiu como polémica a nomeação, e consequente congratulação com a estatueta dourada, do ator Leonardo DiCaprio. Aos 41 anos, conta com uma extensa e diversificada filmografia (sem contar com os papéis em séries televisivas): começou com papéis menos convencionais, como em «What's Eating Gilbert Grape», passando por papéis de “menino bonito”, como em «Titanic», e fez nos últimos 15 anos papéis de grande relevância ao lado de excecionais cineastas, dos quais se destaca Martin Scorsese. No início dos anos 90, «This Boys Life» é o filme que dá o primeiro papel relevante a DiCaprio, dividindo a tela com Robert De Niro, no papel de pai abusivo. Na mesma década, «What's Eating Gilbert Grape», de Lasse Hallström, apresenta-nos um Leo ainda criança, mas com um talento incontestável, na pele de autista, ao lado de Johnny Depp. No final dos anos 90, «The Basketball Diaries» é o seu primeiro filme como adolescente; com um papel de extremos vemos o ator a passar de um jovem comum a um viciado em droga. «Romeo + Juliet», de Baz Luhrmann (com o qual mais tarde acaba por fazer também «The Great Gatsby»), é mais um registo diferente, embalado por nuances da obra original, mas modernizada de Shakespeare. 1997 é o ano que torna Leo conhecido mundialmente, embora não seja a sua melhor atuação, é uma das mais populares, ao lado de Kate Winslet, na película de James Cameron - que envelheceu mal com o passar do tempo aos olhos da crítica. Sem nunca parar, no ano seguinte, trabalhou com Woody Allen, num filme que poucos recordam, mas interessante, em «Celebrity». 2000 foi o ano de Danny Boyle dirigir o jovem ator em «The Beach»... Até que em 2002 DiCaprio trabalhou pela primeira vez, em «Gangs of New York», com o realizador, que viria a fazer mais tarde diversas vezes dupla («The Aviator», «The Departed», «Shutter Island» e «The Wolf of Wall Street»), Martin Scorsese. Mas o leque de realizadores de renome não ficou por aqui, Leonardo DiCaprio trabalhou também com outros aclamados cineastas: Steven Spielberg no divertido «Catch Me If You Can»; Edward Zwick no intenso «Blood Diamond»; em «Body of Lies» com Ridley Scott; com Sam Mendes no dramático «Revolutionary Road»; em «The Inception» com Christopher Nolan; com Clint Eastwood em «J. Edgar»; no papel de vilão em «Django» dirigido Quentin Tarantino; e por fim em «The Revenant» com Alejandro Iñárritu, que lhe deu o papel que finalmente o levou a alcançar o tão merecido prémio, o Oscar de Melhor Ator, mesmo que este não seja o seu melhor filme e/ou papel (para mim, foi em «The Aviator» ao dar corpo a Howard Hughes), é mesmo assim uma exímia performance física, onde o ator se transforma mais uma vez para nos impressionar!

Texto originalmente escrito para a Revista SPOT.

«Star Wars Rebels» é uma série de animação que procura estender o universo já conhecido nos filmes da saga intergaláctica mais famosa do planeta. Integralmente feita em CGI, é uma produção da LucasFilm e da Lucas Film Animation, tendo tido a sua estreia num canal da Disney com um especial de uma hora.

O tempo da história é situado 14 anos depois do III episódio «Revenge of the Sith» e cinco anos antes do IV «A New Hope», altura em que o Império quer dominar a galáxia e apanhar os últimos Jedi.

A história foca um grupo que, continua a fazer frente à ameaça do Império, isolados na sua nave espacial, que salta de aventura em aventura, é constituído por seres bastante diferentes em espécie, género e idade; incluí até um droid C1-10P, Chopper, com um humor bastante peculiar (bem diferente dos outros droides) e que apimenta os momentos mais hilariantes da série. Também à semelhança dos filmes, existe um mestre e um aprendiz do lado da luz, que vemos a evoluírem ao longo da série ao mesmo tempo que enfrentam o dark side.

Embora seja uma série passível de ser vista por um público diversificado, nota-se a inclinação para o espetador mais jovem com personagens com as quais ele se poderá identificar. Por exemplo, a personagem mais jovem Ezra tem apenas 14 anos, começa com um comportamento duvidoso e passa a pertencer mais tarde à causa rebelde que abraça em memória dos seus pais. Sabine (Mandalorian) é também jovem, com uma idade pouco precisa, mas faz grafittis e domina os engenhos explosivos, tem também uma atitude radical perante as situações que o grupo defronta. Depois temos personagens adultas, das quais apenas Kanan (Jedi mestre de Ezra) é humano, sendo que depois existe Hera (Twi'lek) que comanda a nave e Zeb (Lazat) cuja imagem é inspirada em Chewbacca. Para além das personagens do lado da luz, temos as do lado das trevas, das quais se destaca The Grand Inquisitor que obedece directamente a Darth Vader. A missão deste vilão é apanhar todos os jedi que restarem e levarem os padawans para o dark side.

Pensado de forma inteligente, é ainda a aparição de alguns cameos de personagens conhecidas como os droides R2D2 e C-3PO, bem como alguns easter eggs que remetem aos filmes.

Para quem acabou de ver o mais recente filme, e quer mais SW, nada melhor do que ver esta série enquanto espera pelo próximo episódio da saga!

Texto originalmente escrito para a parceria com o blogue Tripulante Nerd.

Embora tenha uma estética exímia, com uso do CGI muito bem executado, o filme perde pela sua previsibilidade no que diz respeito ao desfecho, enfadando com os planos longos de contacto entre as personagens e sensações vincadas ora seja entre o homem e a máquina ora da própria máquina com a ideia de pertencer ao mundo real sem ter de obedecer ao seu criador. O que empobrece o filme também passa pela bagagem de cada espetador que poderá, ou não, ter visto mais obras semelhantes à mesma, onde o cyberpunk, AI, e outros assuntos inerentes, já foram tratados anteriormente deste o «Metropolis».

É o filme que todos os adultos, jovens e crianças querem ver com um humor muito inteligente e uma mensagem de resiliência e tolerância, muito indicada para os dias de hoje, mesmo que intemporal. A narrativa é simples, mas bem construída, embora tente incluir dois twists que se revelam um pouco previsíveis, mas que não tiram por isso fofura e piada a cada cena que nos é apresentada sucessivamente com diversos animais, dos quais são destacadas algumas das suas características para entreter e animar o grande público. Não é de estranhar, pois, que «Zootopia» tenha batido records de bilheteira de pré-estreias nos EUA e que vá ser possivelmente um dos filmes mais rentáveis da produtora. A Disney mostra assim que depois de «6 Big Hero» conseguiu conduzir bem a sua atualização sem a Pixar aos tempos modernos da animação, abandonando apenas os contos onde princesas e fadas têm um importante papel, onde a mulher é frágil e espera pelo príncipe encantado, passando a dar força ao sexo feminino (algo que também temos visto nos últimos filmes - Brave e/ou Star Wars). Assim, a Disney ultrapassou de algum modo as produções conjuntas com a Pixar («Up» e «Inside Out»), sendo que esta última lançou o flop «The Good Dinosaur» no ano transacto, enquanto a Disney premeia o espectador com esta animação audaz e desafiadora, bem mais adulta e apta para ser recebida por um público mais heterogéneo.

O cinema pode ainda não ter sabor, mas muitos são os filmes capazes de deixar-nos com água na boca. A gastronomia é assim um tema que serve como pano de fundo muitas obras que compõe a história da Sétima Arte, roubando muitas vezes a atenção do público. O ato de comer, beber, cozinhar e alimentar é sinónimo de prazer, felicidade e sexualidade, mexe com os nossos sentidos, concedendo uma textura única a cada história. A receita para isso pode ser vista em alguns dos títulos que se seguem:

«Sideways» (2004)

Um par de amigos decide viajar durante uma semana, um deles apaixonado por vinho e também depressivo (Paul Giamatti), aposta numa viajem pelas vinícolas californianas. Ao mesmo tempo que degustam vinhos, conhecem duas mulheres que inflamam os seus corações.

«Volver» (2007)

Pedro Almodovar mostra Penelope Cruz em mais uma das suas histórias, nesta a personagem dotada para a cozinha assume um restaurante sem clientes, até ao dia em que tudo muda...

«Eat Drink Man Woman» (1994)

Os ingredientes estão na mesa: comédia, romance e drama não faltam nesta película de Ang Lee, onde uma família é-nos apresentada, encabeçada por um chef de cozinha que demonstra o seu amor através das mais incríveis receitas gourmet.

«Delicatessen» (1991)

Esta comédia de humor negro retrata um cenário pós-apocalíptico, no qual a comida é tão escassa que é usada como moeda de troca. A história roda em volta de um prédio cujo proprietário mata os seus inquilinos para vender a carne destes e garantir assim a sua sobrevivência. Um filme que tem tanto de grotesco como de belo, da dupla de realizadores Marc Caro e Jean-Pierre Jeunet.

«Chocolat» (2000)

Uma mulher, com uma filha, abre uma loja de chocolates numa pequena vila de França. Enquanto se tenta adaptar aos costumes moralistas da região, surge a personagem desempenhada por Johnny Depp, um cigano que torna todo o processo mais difícil, envolto pela sensualidade do chocolate.

«9 ½ Weeks» (1986)

Tem uma das cenas mais divertidas e sensuais com comida na história do cinema, sendo muitas vezes intitulado como o «The Last Tango in Paris» dos anos 80. Um drama erótico, onde uma relação tem contornos mais complicados no meio de diferentes jogos sexuais.


Texto originalmente redigido para a Revista SPOT.

É engraçado como, por vezes, aqueles filmes que não temos interesse em ver se revelam interessantes e belos. «Trumbo» é um deles. O realizador Jay Roach pega numa história biográfica que poderia ser linear na sua narrativa, mas opta por uma forma mais arrojada de a contar, misturando épocas diferentes da história de Hollywood, e portanto do cinema americano, com dimensões diferentes da própria personagem principal - entre o que ela acha que é/quer ser e acaba por ter consciência de que não pode ser. O filme está longe de ser um drama familiar, é um filme intenso, com complexas críticas e reflexões sobre a forma como a indústria e sociedade age de acordo com a informação veiculada (neste caso ligada a opções partidárias) com organismos superiores ou mesmo os próprios media. Para além disso, escava ainda mais, vai bem fundo, até que chega à própria consciência do protagonista, Trumbo, que ao contrário de muitos personagens não concretiza propriamente os seus ideais primordialmente nobres de procura de liberdade política, mas, antes, mesmo depois de toda a "caminhada", repleta de sacrifícios sobretudo pessoais, percebe que muitas vezes existem aspectos mais valiosos na nossa vida que ignoramos poder vir a perder, bem mais do que valores sociais, sendo neste caso a sua própria felicidade e família. E desta forma a película acaba por partir dos ideais e crenças de um grupo de defensores políticos (comunistas) e indaga nos debates existencialistas da própria personagem Dalton Trumbo, interpretada pelo grande Bryan Cranston (conhecido essencialmente pela série «Breaking Bad», que o lançou tarde na ribalta mas a tempo de mostrar o seu valor) que agarra a personagem com unhas e dentes, que nos faz SENTIR, cada minuto do filme, como se o conhecêssemos e torcêssemos para ser capaz de alcançar a meta merecida...Ao seu lado, temos também os actores que dão corpo à sua família, tirando os dois filhos mais novos, temos a esposa desempenhada pela mais que conhecida Diane Lane que faz jus ao papel abraçado e também a jovem revelação (que tem vindo a trabalhar consecutivamente nos últimos anos desde que se estreou depois da sua irmã) Elle Fanning que mostra que merece o prestígio que tem vindo a seguir o seu nome. Temos também Louis C.K. num papel que lhe assenta bem (mas um pouco próximo do da sua personagem na série homónima) e a magnífica Hellen Mirren que com a idade parece estar cada vez mais ciente das suas capacidades como atriz, que brilha, num papel de "vilã" e nos faz sentir que mesmo assim adoramos vê-la no grande ecrã com tanto vigor e pujança ainda aos 70 anos! De resto, todo o elenco tem uma boa prestação, nota-se que houve um trabalho intenso em conseguir distribuir as atenções do público ao longo dos diversos intervenientes que entram no "comboio figurativo" de Trumbo, ao mesmo tempo que é impossível desviar o olhar de Bryan Cranston!

Para alguém que é apaixonado por cinema, é difícil não gostar deste filme. É um pedaço de história que mistura menções a diversos atores populares (como John Wayne e Kirk Douglas) e conhecidos realizadores (fazendo mesmo menção a Otto Preminger e Stanley Kubrick e ao seu feitio particular), para não falar dos títulos dos filmes que vão sendo revelados e nos deixam um sorriso na cara, quase como uma estampa de felizes-culpados por percebermos a referência aos mesmos. Temos títulos e trechos de uma mão cheia de filmes influentes, como o fabuloso «Roman Holiday», «Spartacus», «The Brave One», «Exodus». e muitos muitos outros, que são indicados como obras escritas por Trumbo usando outros nomes, uma vez que estando na Lista Negra não podia escrever...

A caracterização das personagens ao longo da passagem dos anos é também admirável, se não mesmo exímia! A nível psicológico isso também afecta as mesmas, sendo que nos são apresentadas diferentes fases e formas de agir, tornando as personagens reais e multi-dimensionais; algo que tem faltado muito no cinema americano, seja por preguiça ou incapacidade, mesmo nos nomeados percebemos isso predominantemente formatados pela simplicidade dos blockbusters.

«Trumbo» é um filme intemporal, mesmo que a sua história seja passada nos anos 40, tudo o que vemos é bastante atual e pode ser aplicado a outros episódios de maior escala que assistimos todos os dias em que organizações e personalidades e/ou opinion makers diabolizam determinados grupos e/ou indivíduos menores ou com capacidade de mudança, de forma a controlar, a fazer os seus interesses prevalecer .

Para mim, foi um dos filmes mais emocionantes que assisti que está na Corrida aos Oscares 2016, mesmo que apenas com a nomeação A Melhor Ator. É inacreditável que não figure na lista dos nomeados a Melhor Filme, especialmente quando temos obras regulares ou mal amanhados como «Spotlight» ou «The Big Short», onde a fama parece ser maior que o proveito. É pena que «Tumbo» não tenha tido a atenção merecida, especialmente porque é um filme que fala de cinema, crítica e homenageia, expõe o bom e mau, mas mais que tudo isto conta a história sem filtros de uma época turbulenta em que o argumentista Dalton Trumbo foi importante e decisivo para devolver os dedos às máquinas de escrever de tantos profissionais da área que nos fizeram chegar os grandes filmes que vemos hoje.

A revolução e estratégia é algo realmente digno de um filme e está neste expresso, mostrando que a resiliência por vezes compensa mas também pesa, deixando muita dor e sacrifícios pelo caminho. Tudo isso é-nos mostrado quando na cena final o argumentista finalmente consegue o reconhecimento que tanto queria, mas que para tal muito perdeu não escondendo essa longa jornada e lembrando todos os que estiveram nela.

Com cerca de duas horas, «Trumbo» causa-nos uma amálgama de sensações: entre simpatia, revolta, sorrisos (muitos dado o humor delicioso da personagem) e lágrimas, percebemos que nem tudo é preto ou branco, percebemos que ninguém é totalmente inocente ou culpado e que o mundo real é bem mais complexo do que tudo isso.

Do mesmo realizador de «Far from Heaven» e «I'm Not There», chega-nos «Carol», que contrariando os outros dois filmes mencionados tem muito pouco de inspirador ou interessante. Temos no filme de Todd Haynes uma história banal onde duas pessoas, com a única particularidade mais distintiva de serem ambas do sexo feminino, de idades e estatutos sociais diferentes, se conhecem por acaso e desenvolvem uma repentina relação. Esperava-se desta descrição bastante química, carnalidade e/ou pelo menos emoção, mas não «Carol» apresenta-nos uma relação morta desde o primeiro segundo, onde a paixão entre as personagens não se faz sentir no outro lado do ecrã, sem que a descrição exigida pelo tempo (anos 50 em que um escândalo íntimo era algo muito grave para a reputação) em que passa o filme seja a justificação para tal...Prova disso é o salto entre um "Olá, prazer" para um "Anda a minha casa antes do dia de Natal ajudar a fazer rabanadas", que torna fugaz as ações das personagens, diminuindo também a sua multidimensionalidade e a possibilidade de assistirmos ao desenvolver de uma relação entre pessoas do mesmo sexo - algo que pelo que percebemos é o tema central do filme. Supostamente a ideia, pelo menos segundo a sinopse, seria mostrar o desenvolvimento de uma relação íntima de uma aspirante a fotógrafa com uma mulher mais velha, contudo pelas razões já mencionadas o filme faz sentir que há muito pouco de intimo nesta súbita relação que começa do dia para a noite e também assim acaba...Também podíamos falar que «Carol» nos faz pensar na questão de busca de identidade, mas não será isso muito limitador e primário neste contexto? Ou ainda a ideia de que a personagem desempenhada por Rooney, Theresse, apenas se torna uma "mulher" (com opinião crítica, personalidade, senso de moda, determinada, bem sucedida...) quando define a sua sexualidade ou pelo menos tem a sua primeira relação sexual? Sentimos algo entre o 8 e o 80, por tentar contar a história por vezes sem os filtros novelescos de Hollywood e outras vezes por mergulhar nessa romantização pouco natural, com deixas cliché que minimizam o amor entre o mesmo sexo, sem nunca encontrar um equilíbrio.

Para além de Cate Blanchett, que brilha como sempre mesmo com um papel mais plano que o natural mas com uma presença inata indubitável,Rooney Mara aparece apagada e alienada com um visual forçado àAudrey Hepburn cujo número de falas está entre as 5 e 10 linhas das duas horas de filme! De resto, todas as personagens que aparecem e desaparecem em pouco tempo têm um papel muito pouco importante ao longo do filme, quase como se fossem desnecessárias e pudessem ser desempenhadas por extras.

Os pontos mais positivos do filme são, sem sombra de dúvida, o guarda-roupa, a cena final em que Carol diz a Harold durante o processo de divórcio "We are not ugly people, Harge!" por finalmente haver alguma intensidade e pseudoclimax no filme e a forma como é demonstrada a "american way" através da estética, optando por fidedignos e belos cenários.

Em «Mildred Pierce» e «Far from Heaven» temos Haynes a colocar as mulheres num papel superior de quase heroínas, mulher vs sociedade, em momentos que a sociedade achava atos hoje comuns algo de chocante e negativo ao ponto de as penitenciar de algum modo, em «Carol» percebemos a intenção de fazer o mesmo todavia isso não acontece; existe algo de pouco empatizante e distante nas duas personagens e na sua relação, não por uma questão de estigma, mas de ausência de sentimentos (que pelo menos pareçam fortes e autênticos para parecerem minimamente reais)...Com isto quero dizer que não sentirmos estar a assistir a um romance que levasse uma mulher madura a perder a sua filha; há uma certa crueza e ausência de intensidade que no máximo nos faz pensar que o fez por si mesma, apenas, minimizando o teor do drama.

Há também neste filme uma aproximação clara a «My Fair Lady» com a apresentação de uma mulher madura, experiente, requintada e mãe de família e de uma jovem simplória e vislumbrada pela curiosidade de exploração de um "novo mundo" (sentimental, sexual e societal) sem saber dizer nunca "Não" a nada!

«Carol» bem poderia ser como outros filmes do realizador uma bela película a ficar na memória, mas é apenas mais uma bobine para o amontoado de filmes vácuos que adornam a atualidade da indústria americana.